Horroroso!!!!

“Monstruo obeso”, “saco de patatas”, “feto gigante” u otros apelativos parecidos fueron los que utilizaron algunos críticos ante la presentación del futuro Monumento a Balzac, realizado por Rodin.

Rodin era un escultor virtuoso y de indudable talento, su famoso Balzac lo demuestra con creces y se ve como «poco lucida» la historia que hay detrás de él…

El encargo

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Por 1891 Émile Zola, por entonces presidente de la Sociéte des Gens des Lettres, encarga al escultor un monumento al escritor Honoré de Balzac, autor del ciclo “La comedia Humana” y por cierto amado por Francia.

Rodin realizo una profundísima investigación para realizar la obra: visitó Tours para estar en el lugar donde vivió y estudiar la fisonomía de sus habitantes, leyó sus obras, coleccionó retratos y fotografías de él, incluso hablo hasta con el sastre del escritor para saber cómo vestía…hasta llegó a estudiar minuciosamente el hábito de monje que portaba el escritor cuando trabajaba en sus obras.
Realizó decenas de estudios y versiones de la obra, donde el escritor aparecía desnudo en diferentes posturas, hasta encontrar la definitiva.

Al final, lo conmueve una pose simple pero llena de fuerza y con mirada penetrante.

Rodin consigue captar no la apariencia superficial, sino la personalidad y el espíritu profundo del escritor, con el hábito tan pegado al cuerpo que le daba, apariencia de “saco de patatas” término que emplearon los críticos cuando la obra fue presentada…

El daguerrotipo que circulaba por entonces de Balzac, era del año 1848… demasiado tiempo atrás para el gusto de escultor…se enfrentó al reto de esculpirlo cuando llevaba más de 30 años muerto. Por primera vez, un pedido de realizar una escultura, donde era imposible encontrar un modelo.

Pero, igualmente se comprometió a realizar una estatua de tres metros por la suma de 30.000 francos, con la intención de hacer de la figura un monolito, una forma única, fálica…

Dícifil tema…

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La obra fue encargada en 1891 para que fuese entregada en mayo de 1893.

Honoré de Balzac, era considerado: un Grande de Francia. Rodin pasó siete años indagando y estudiando la vida y el trabajo del escritor… según Kenneth Clark, el historiador de arte británico, «lo único cierto que averiguó, es que éste, había sido en su edad adulta un tipo gordo, achaparrado y de aspecto para nada glorioso.»

Pero el objetivo del artista era comunicar una idea del espíritu del hombre y el sentido de su vitalidad creadora: «Pienso en su intenso trabajo, la dificultad de su vida, en sus incesantes batallas y en su gran coraje» dijo Rodin..

Rodin por cierto no realizó la entrega en esa fecha.

En octubre de 1894, cuando la Sociéte le exigió la entrega de la obra en menos de veinticuatro horas, recibieron esta respuesta del escultor: “¿Es que no entienden que las grandes obras no tienen fecha de entrega?”… entrego su obra en 1898.

La reacción de la Sociéte era de esperar: fue rechazado.

Rodin recibe el rechazo oficial

La negativa fue: «El Comité de la Sociedad de Escritores se ve obligado a rechazar, con consternación, el boceto presentado por Monsieur Rodin en el salón, ya que el comité se niega a reconocer en él la estatua de Balzac».

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Cuando el original de yeso se exhibió en el Salón de la Société Nationale des Beaux-Arts en el Campo de Marte de París en 1898​ fue atacado.

Los críticos lo compararon con un «saco de carbón», «un muñeco de nieve»… una irreverencia total!!!

La sociedad literaria que había encargado el trabajo lo descartó al considerarlo un «bosquejo bruto«.

Artistas y personajes influyentes como Monet, Toulouse-Lautrec, Signac o Debussy realizaron una protesta formal para evitar el rechazo…fue inútil.

Entre los debates y el ridículo, todo París parecía estar involucrado. En medio de las disputas y de las acusaciones más candentes, Rodin tuvo que irse a Suiza para no enloquecer.

La biógrafa de Rodin, Judith Clade recordó: «Se colocaron numerosas caricaturas en revistas de cómics, y los vendedores ambulantes vendieron estatuillas de yeso en forma de pingüinos y focas en equilibrio sobre la cola, pidiendo a los compradores:» ¡Compre Balzac Rodin! «

El escándalo que estalló en París, atrajo aún más la atención sobre él y su trabajo, los periódicos registraron todos los detalles de la comunicación de Rodin con el cliente, se publicaron las declaraciones oficiales, las cartas de ambas partes, los escritores de la defensa Rodin declaran su retiro de la Sociedad en protesta.

La historia se hace por demás conocida, y la obra se ofrece para comprar a coleccionistas privados y a grupos de fanáticos de Francia, Bélgica.

Agotado y dudando hasta de su rectitud, Rodin se niega a todos, devuelve el anticipo y decide quedarse con su Balzac.

 Es celebre su comentario ante esta obra:

“Si la verdad tiene que morir, mi Balzac será hecho pedazos por las generaciones futuras. Pero si la verdad es imperecedera, profetizo que mi escultura hará su camino. Esta obra, sobre la que se burló todo el mundo y que fue ridiculizada por todos los medios, ya que no era posible destruirla, forma el núcleo de mi vida, el eje de mi estética. Desde el día que la concebí soy otra persona”

“Sencillo es lo verdaderamente grande”.

La obra resulta magnifica precisamente por su sencillez… como lo que había leído en Balzac.

Rodin llevó el modelo de yeso de regreso a su hogar en los suburbios de París y no fue fundido en bronce hasta años después de su muerte.​

Cuarenta y un años más tarde fue exhibido en el cruce del bulevar Raspail y Montparnasse, después al Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Rodin da un paso al frente

Sobre el Balzac, Rodin comentó:
“Nada de lo que hasta entonces había hecho me había satisfecho tanto, porque nada me había costado tanto trabajo, nada expresa mejor la quintaesencia de lo que yo considero la ley secreta de mi arte”

Y proclamó: «el fruto y resumen de toda mi vida y el pivote de mi estética personal».

Sin duda, inaugura el lenguaje plástico del siglo xx una nueva concepción artística. En este sentido es una escultura totalmente moderna, libre del lastre academicista.

Finalmente realizó la escultura con una túnica inspirada en la bata que Balzac usaba al escribir por las noches.

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La figura del escritor embutida en la bata cuyas mangas están vacías. La bata está llevada al límite de su estilización, despojada de todo lo accesorio, pero con una tridimensionalidad desbordante.

Balzac era un hombre físicamente pequeño y de frágil contextura y esto no escapó a la investigación de Rodin, por supuesto, por ello no lo representó como un atleta heroico al estilo griego, hubiera sido no solo ridículo, sino falso.

La fuerza de Balzac estriba en la verdad, como lo hizo Rodin.

La verdad del hombre que es grande por sí mismo, no por atributos colocados por encima de él. No es un enano puesto sobre un pedestal ¡es el pedestal mismo!

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Otro detalle notorio son las cuencas de los ojos, llenas de plenitud a pesar de su vacío evidente, la fuerza y determinación de su mirada hacia todas direcciones.

A pesar de tener una postura aparentemente frágil e inestable, como luchando por no perder el equilibrio ante un violento embate de viento…

!Nada de pluma y tintero!

Tiene sus pies bien asentados en el suelo y mira retador al horizonte con su grande y desproporcionada cabeza de melena leonina. Toda la fuerza está por dentro, toda la voluntad del gran hombre se muestra en su figura antiheróica.

Hoy, el monumento a Balzac, sigue siendo de vanguardia e innovación. Basta con compararlo con las obras de otros escultores: personajes sentados en sillas que inspirados miran a lo lejos, estan situados en las calles y plazas de distintas ciudades del mundo.

El Balzac de Rodin es un monumento a: los pensamientos, héroes, novelas, pasiones y hasta problemas que no fueron pocos, en la vida del escritor Honoré Balzac.

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En vísperas de la Segunda Guerra Mundial, el monumento a Balzac de Auguste Rodin se coloca en el cruce del bulevar Raspail y Montparnasse.

El hijo de Alphonse Daudet, León, escribió: “Este es Balzac de la soledad, el sufrimiento y la Comedia Humana al mismo tiempo. Tiene arterias llenas de sangre, una cabeza orgullosamente levantada, ojos en busca de luz y ya sumidos en la oscuridad. Es liberado de su cautiverio literario, de sus decepciones sentimentales y familiares, para finalmente sumergirse en su sueño. Este es un hombre envuelto en alucinaciones, casi agonizante, mirando a la inmortalidad directamente a los ojos».

Honoré de Balzac falleció en París, el 18 de agosto de 1850, sepultado en el Cementerio de Père Lachaise, en cuya despedida su amigo y colega Victor Hugo expresó: “A partir de ahora los ojos de los hombres se volverán a mirar los rostros, no de aquellos que han gobernado, sino de aquellos que han pensado”. fue precisamente lo hizo Rodin

Para muchos estudiosos esta es la escultura más bella y mejor lograda del genio francés. Artistas como Pablo Picasso , André Masson , Tal Coat , Emil de Kermadec , Cecile Rey-Millet André Derain , Albert Marquet , Elie Lascaut y Balthazar Balthus la calificaron de «obra maestra».

Se puede ver la obra al menos en cinco lugares: en la intersección del Boulevard Raspail con el Boulevard Montparnasse de París , en el jardín del Museo Rodin de París, en el museo al aire libre de Middelheim en Amberes, en el jardín de la Van Abbemuseum de Eindhoven y en el Museo de Arte Moderno de Manhattan -Nueva York.

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Cabeza monumental de Balzac (1898), del escultor Rodin. Museo Nacional de Bellas Artes -Argentina.

Amor al arte…

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Alexander von Humboldt  – Berlin-1779-1859 Polímata, geógrafo, astrónomo, humanista, naturalista, explorador prusiano, dibujante y paisajista…

Su gran expedición científica, emprendida entre los años 1799 y 1804, dio a conocer en Europa bosquejos propios y detallados esquemas de carácter artístico-fisonómico y apuntes al natural, se le considera el gran impulsor de la representación gráfica de paisajes tropicales.

En su juventud se dedicó al dibujo y
a la pintura. Su interés en este campo fue tal que se hizo instruir por
Daniel Chodowiecki en la técnica del grabado en cobre.

Por qué no figura Humboldt en la historia del arte?

Según Hanno Beck: «Sus propuestas sirvieron de orientación a los naturalistas y a los artistas viajeros hasta bien entrada la segunda mitad del siglo XIX. Estos últimos crearon imágenes de gran claridad científica y considerable calidad artística. Sin embargo, la crítica de arte alemana, muy conservadora, que rechazaba la pintura al aire libre y la técnica de bocetos al óleo, apenas las tuvo en cuenta. En contra de las esperanzas de Humboldt, pocos motivos tropicales se incorporaron a la pintura paisajística europea».

Su nombre no figura en la Historia del arte europeo…pero en América… debería ser un capítulo imprescindible dentro de su historia.

El célebre científico alemán amaba el arte y era muy bueno realizando obras pero vió la necesidad de contratar y aconsejar a pintores de entonces para plasmar las bellezas del nuevo continente.

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Tal es el caso de Luis de Rieux, activo en 1800, cuyo padre había estado desterrado con Antonio Nariño, éste por haber asumido la empresa de traducir del francés Los derechos del hombre.

Los Rieux regresaban a Santafé de Bogotá en el mismo barco en que Humboldt venía de La Habana.

En las cercanías de Cartagena, bajo su dirección, el joven Rieux también realizó la acuarela Volcanes de lodo de Turbaco.

Años después, el médico y dibujante Désire Roulin sería seleccionado por Humboldt en 1822 para que formara parte de la misión científica y llegó a fundar el Museo Nacional de Colombia a solicitud de Simón Bolívar.

Algunos pintores académicos viajaron por recomendación de Humboldt y recibieron instrucciones concretas en materia artística y en cuanto los sitios, la composición y factura de las pinturas de la naturaleza. Los más importantes entre ellos fueron Johann Moritz Rugendas (1802-1858), Ferdinand Bellermann (1814-1889) y Albert Berg (1825-1884).

Johann Moritz Rugendas. Vista del Valle de México con volcanes y Lago de Texcoco, c. 1833

Ferdinand Bellermann. La cueva del Guácharo, 1874

Albert Berg- El volcan de Tolima

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Frederic Edwin Church. Heart of the Andes, 1859

Muchos artístas emprendían sus viajes por que habían leído las obras de Humboldt, como sucedió con el pintor norteamericano Frederic Edwin Church (1826-1900 a quien un amigo solicitó su compañía para la búsqueda de su hermano en las selvas de Magdalena a la altura de Guaduas. Para persuadirlo, le regaló la obra Cosmos de Humboldt que acababa de salir en una versión inglesa en 1848. Church quedó tan convencido, que no solo lo acompaño sino que se trazo como programa recorre los sitios y hospedarse en los mismos albegues donde estuvo el científico.

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También se encuentran los diplomaticos franceses Jean-Baptiste-Louis Gros (1793-1870) y Auguste Le Moyne (ca. 1815-ca. 1880).

Gros, hijo del pintor de Napoleón, recorrió México, Venezuela y Colombia con la mirada dirigida por las publicaciones de Humboldt.

En Colombia pintó óleos «que desde distintas distancias, representan de frente el salto de Tequendama. Deploro –dice Le Moyne— que no se hayan reproducido para el público esos cuadros que dan de la cascada una idea más completa que el dibujo de Humboldt que ilustra su obra Vistas de las cordilleras». Le Moyne, entomólogo, dibujante y escritor, partió de obras tan importantes como Panorama de la naturaleza y Vistas de las cordilleras de Humboldt y realizó láminas sobre temas de costumbres.

También estaban los artistas que fueron contratados por los periódicos para hacer crónicas, debido al gran prestigio que Humboldt le había dado a esta literatura ilustrada. Cuando uno de estos artistas no podía visitar un país, entraba en contacto con otros viajeros que sí lo habían visitado y adquirían sus dibujos…

Existían los viajeros que no tenían un gran interés científico, sino que sus empresas eran de carácter comercial y político. Se sabe de mineros, como Joseph Brown, algunos viajeros eran espías, como Isaac Holton y otros: mercaderes, agiotistas y hasta «cazadores» de especies naturales y de orquídeas. Todos ellos, en una u otra forma, se apoyaban en la trayectoria del prestigioso Humboldt.

LA ESCUELA DE HUMBOLDT

La estética humboldtiana de paisaje es un lenguaje aparte. Parece un tema reservado e inédito de la historia europea del arte.

Humboldt le dedicó en «Cosmos» su obra de madurez, un capítulo titulado «Influencia de la pintura de paisajes en el estudio de la naturaleza» pero… su nombre no figura en la historia de arte.

Una excepción es el libro «Subjetividad«, del filósofo Joachim Ritter (1963), donde es mencionado en el tema dedicado al paisaje.

Paisaje heroico

Momento que vivió el investigador es el «Paso de Quindío»

El Quindio – Colombia- se considera el paso más penoso de la Cordillera de los Andes, Humboldt con su comitiva se aventuró en el.

Fue recibido con la devoción que las regiones apartadas suelen ofrecer a los visitantes ilustres del extranjero.Nuestra llegada a Santafé semejó una marcha triunfal. El Arzobispo nos había enviado su carroza, en la cual llegaron los notables de la ciudad y entramos con un séquito de más de 60 personas a caballo”.

En su nutrida correspondencia, Humboldt reseñó repetidamente la lejanía de estas tierras, su aislamiento casi proverbial. “Aquí se está completamente separado del mundo… como en la Luna”.

En septiembre de 1801, Humboldt salió rumbo a Popayán, hacia el occidente del país. Después de varios días, encontró un obstáculo extraordinario, infranqueable: el “Paso del Quindío” mencionado en sus crónicas de viaje. “Sufrimos mucho en nuestro recorrido por las montañas del Quindío”, escribiría años después.

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Sus crónicas dan cuenta de los caminos pantanosos, deleznables, imposibles para las mulas, sólo transitables por los cargadores humanos que transportaban a los viajeros en sus espaldas.
Humboldt hace personalmente un boceto en 1801 y casi 10 años más tarde se lo entrega a Joseph Anton Koch para que en Roma haga un dibujo definitivo y éste a su vez se lo entrega a Christian Friedrich Traugott Duttenhofer para que en Stuttgart haga un grabado .

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Las corrientes en las que apoyó Humboldt a su escuela de paisaje son las que se daban en el arte europeo del momento: el «paisaje heroico» procede de una actitud neoclásica en la que, según Koch, el pintor mira «un área de terreno…e imagina que es Grecia».

Para Goethe, el paisaje heroico es aquel «en el cual una raza de hombres de pocas necesidades y nobles principios parece vivir», en él aparecen campos alternados, rocas y bosques, colinas interrumpidas y altas montañas; viviendas sin comodidades pero respetables; torres y fortalezas […] ningún trazo de campo o jardín cultivado, aquí y allá un rebaño de ovejas que indica la más antigua y básica explotación del suelo». Al leer estos conceptos se comprende cómo Koch, autor de paisajes heroicos, interpretó el grabado El Paso del Quindío. En éste se observan unos viajeros primitivos en primer plano y a lo lejos colinas interrumpidas, campos lisos sin mucho follaje y una población con torres…seguramente Ibagué, se puede pensar más en la Arcadia… que en el territorio colombiano.

Algo más…

Por otra parte, estaba el concepto de lo «pintoresco» del italiano pittoresco, que parezca una pintura, plantea que la naturaleza, representada en jardines, paisajes y pinturas, semejen cuadros.

Esto fue formulado en 1792 por el pintor inglés William Gilpin (1724-1804) sacerdote, escritor, artista y maestro de escuela británico, conocido como uno de los creadores del género estético de «lo pintoresco.»

Su ensayo sobre la belleza pintoresca, el viaje pintoresco y el dibujo de paisaje, de ese año, se considera su obra principal.

Desde su punto de vista, la diferencia entre lo Bello, objeto en su estado natural, y lo pintoresco, el objeto ilustrado por la pintura, en lo primero, se caracteriza por la idea de claridad y lisura y lo pintoresco por la rudeza.

Hay en Gilpin una búsqueda de una iconografía paisajística de lo pintoresco que se traduce en su alabanza de los objetos rudos, imperfectos, inacabados, y que son los que aportan interés a la obra. Los objetos rudos son apropiados para lo pintoresco, que busca también el efecto de luz y sombra.

Las teorías de Gilpin no sólo determinaron el nombre de su ensayo, «Cuadros de la naturaleza«, sino toda una serie de indicaciones para que una obra tenga cualidades artísticas. Humboldt propuso, tal vez basándose en procesos fotográficos, los cuales había defendido junto con Arago ante la Academia Francesa de Ciencias, colocar plantas tan contrastadas por la luz que parecieran una silueta.

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El óleo El volcán del Tolima, de Albert Berg, no sólo presenta la visión solicitada por Humboldt en una carta al pintor, sino que éste rodea el volcán con una corona de follaje rugoso y pleno de hendiduras de luz para seguir los planteamientos trazados por Gilpin.

Anticipábase a Enrique Federico Amiel que en 1852 afirmó que «el paisaje es un estado de ánimo».

La idea de Humboldt en «Cosmos» es que «gracias a la acción de la naturaleza exterior que lo rodea, sobre la naturaleza corpórea sensible del hombre, se desarrolla la naturaleza interior del hombre, la cual, a su vez, logra captar lo interior de la naturaleza exterior que lo rodea».

Humboldt propuso: «A la naturaleza hay que sentirla; quien sólo ve y abstrae puede pasar una vida en medio de la vorágine tropical, analizando plantas y animales y creyendo describir la naturaleza, que sin embargo le será eternamente ajena».

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Los pintores románticos ingleses y alemanes experimentaban un sentimiento de la naturaleza que la relacionaban con Dios. Soñaban y pintaban precipicios insondables, abismos, costumbres primitivas que Humboldt, ya los había contemplado, que una eran realidad en los Andes, en las selvas americanas y en las ruinas prehispánicas.

En tales vistas de la naturaleza, el hombre aparece casi siempre pequeño, de espaldas, dispuesto a contemplar la grandiosidad de la naturaleza.

En Europa, las obras de Caspar David Friedrich (1774-1840) fueron la inspiración de la teoría del paisaje alemán de Carl Gustav Carus (1798-1840) y de la reflexión sobre «el contemplar».

Ante los cuadros de Friedrich, un espectador contempla » el contemplar».

Humboldt combina la verdad científica de la naturaleza con el espíritu.

Sin embargo, «se vuelve hacia la naturaleza en presencia del peligro de que el espíritu pueda ser derrotado. Habla de las inquietudes sobre la pérdida de un goce libre de la naturaleza bajo el influjo de la comprensión pensante o del conocimiento científico», según Ritter.

Humboldt, estaba convencido, y así lo manifiesta a su hermano Guillermo, que «todo cuanto tiende a reproducir la verdad de la naturaleza da nueva vida al lenguaje».

En su texto sobre el paisaje llegó a la conclusión de que «sólo los grandes artistas pueden dar la naturaleza en su inmensidad y su verdad».

Su vida a partir del viaje a América fue un gran recuerdo que se concretó, gracias a los artistas, en la memoria de América.

La escuela de Humboldt resultó una escuela de paisajistas, soportada como las verdaderas escuelas, con planteamientos filosóficos.

Sus seguidores fueron los pintores viajeros y sus difusores, los grabadores europeos.

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Una de inmigrantes…

László Dobosi Szabó nació en Nagyacsád, Hungría, el 15 de junio de 1907. Llegó a la Argentina huyendo de la miseria que dejó en Europa la Segunda Guerra Mundial.

Cuenta su hija Aniko Szabó reconocida pintora «Naif «además de arquitecta, artista plástica nacida en alemania naturalizada argentina.

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“Mi padre nació en el seno de una familia aristocrática de la nobleza húngara. Su árbol genealógico, que puede remontarse hasta 260 años en el tiempo, demuestra que la mayoría de sus antepasados habían sido arquitectos y militares y que su bisabuelo había sido alcalde de provincia. Era alto y delgado, tenía cuerpo atlético y porte elegante; su cara era angulosa, tenía ojos verdes y pelo castaño. Era inteligente y alegre y gustaba a las mujeres.”

Hablaba seis idiomas: húngaro, español, alemán, inglés, latín y griego antiguo (sobre este último, recibió su título de bachiller otorgado por el Gymnasium Real Católico Universitario Francisco José I, en Budapest) Estudió en la Real Universidad Húngara “József Nádor” de Ciencias Técnicas y Económicas, de Budapest, y egresó como arquitecto-ingeniero en 1930, a los 23 años.

Ya diplomado, se inscribió en los cursos de la Bauhaus– Escuela de Diseño, Arte y Arquitectura fundada por Walter Gropius, en Berlín, capacitándose bajo la dirección de los «grandes » del momento: Mies van der Rohe, Hannes Mayer, Paul Klee y Wassily Kandinsky.se inscribió en los cursos de

En 1936 integró la representación oficial de la Arquitectura Húngara en el Congreso Internacional de la Arquitectura en París, al que concurrió con 3 proyectos ya realizados. Y en 1938 fue nombrado Perito Ingeniero ad honorem de la Cruz Roja húngara. En este cargo proyectó y dirigió remodelaciones de los hospitales; y en 1941, se encargó del proyecto de la Sede Central, Escuela de Enfermeras, Depósitos y un Hospital de 500 camas, que no se realizó por el cambio del régimen de la postguerra.

Durante la II Guerra mundial se incorporó al Ejército Real Húngaro con el grado de teniente de ingenieros. En el servicio militar realizó, por orden del Ministerio de Guerra, nueve hospitales militares en el país y en ciudades ocupadas por el Ejército Húngaro en Rusia, mediante transformaciones de escuelas y edificios públicos, además de locales de primeros auxilios en la línea de combate. Fue también delegado por el Ejército a la Comisión Antiaérea para la construcción de refugios públicos y privados.

En Argentina…

Amigo de Monseñor Ernesto Segura, quien fue obispo auxiliar de Buenos Aires, secretario general de la Conferencia Episcopal Argentina durante diez años, y profesor de Historia y Arte. “Con él y con Monseñor Enrique Rau pasaba horas hablando de religión, aun cuando pertenecían a distintas iglesias – recuerda Eva – Mi papá, que había estudiado Arte Sacro en Hungría, y era verdaderamente un filósofo, un pensador integral de la religión, pudo entender cabalmente lo que proponía en cuanto a arte Pío XII y luego, el Concilio Vaticano II”. Estas amistades lo llevaron, ya en su carácter de arquitecto, a diseñar altares, vitrales e incluso edificios completos para diversas iglesias de la ciudad y la provincia de Buenos Aires.

Participó animadamente en la colectividad húngara en la Argentina y durante más de diez años fue el presidente de la Junta Administrativa de la Iglesia Reformada Húngara.

Socio fundador de la Universidad Libre Péter Pázmány de la Academia Húngara de Ciencias Mindszenty y miembro activo de la Asociación de los Ex Combatientes Húngaros.

Dominado el idioma español y sin dejar de pintar, se dedicó a la docencia: en 1962 fue profesor titular -por contrato, para el curso de ingreso en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Provincial de Mar del Plata y en 1963-64, profesor asociado a la cátedra de Composición Arquitectónica en la misma sede académica.

En 1966 fue profesor titular de las cátedras Visión II y Visión III y, hasta 1971, profesor titular del Curso Preparatorio al Ingreso en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Católica de La Plata. En 1968, fue nombrado Jefe de Departamento y miembro del Consejo Académico de esa casa, la que lo designa como delegado para el 1.er Congreso Argentino de Arquitectura Escolar y, en 1969, delegado al Congreso Mundial de Arquitectos.

Dictó numerosas conferencias en la Academia de Ciencias y Cultural Mindszenty, en Radio Argentina, en la Catedral de Mar del Plata, en el Fórum Centro Cultural Húngaro, en la Universidad de Olavarría y en Radio Azul.

Además autor de varias publicaciones: “Manual de la Arquitectura” – coautoría con el Dr. Arq. Moller Karoly – 1936, “Leonardo Da Vinci” (1953), “Pal Szinyey Merse y su ambiente artístico contemporáneo en Europa” (1958), “El arte en el espejo de la Estética” (1958) e “Historia de la Arquitectura y el Arte Húngaro” (1959).

Obras en la Provincia de Buenos Aires

Mosaico mural en el ábside de la Parroquia Nuestra Señora del Carmen, de la Ciudad de Benito Juárez en la provincia Bonaerense.
Laszlo Szabó, comenzó a recibir encargos de la Iglesia Católica desde 1958, para proyectar iglesias nuevas, realizar reformas de templos existentes y ejecutar obras de arte plástico con contenido religioso.

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Convocado por Monseñor Rau, primer Obispo de Mar del Plata, en virtud de los aires ecuménicos que atravesaba la Iglesia. Reformas en los espacios litúrgicos que luego avalaría el Concilio Vaticano II. Monseñor Rau, lo puso en contacto con Monseñor Segura, del Arzobispado de Buenos Aires, para escuchar sus consejos…

En la Catedral de Mar del Plata

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En 1961 – Retablo y altar del Sagrario en la Iglesia Catedral de San Pedro y Santa Cecilia, Mar del Plata.

En la Catedral de Morón…


1963 – Frontis y medallones de Juan XXIII y Pablo VI en fachada, más altar nuevo, en la Iglesia Catedral Inmaculada Concepción del Buen Viaje- Morón. En 1957 asume Monseñor Miguel Raspanti como primer obispo de Morón, decidió que la imagen de la Virgen del Buen Viaje volviese al altar mayor del Templo. El cambio se realizó el domingo 11 de agosto de 1963 y en la Ermita se colocó la réplica que existe hasta el día de hoy y que fue bendecida por el entonces papa San Juan Pablo II en el año 1982 cuando pasó por Morón en viaje hacia el Santuario de Luján.

En la Ciudad de Olavarría-.


1972 – Templo nuevo para la Parroquia San Francisco de Asís, Olavarría.

Congregación del Verbo Divino en Colonia Hinojo- .

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1973 – Reconstrucción total del templo de la Parroquia Santa María para la Congregación Verbo Divino, Colonia Hinojo -primer sitio de localización de los alemanes del Volga emigrados a Argentina.

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El actual edificio del CEDIER en Mar del Plata

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1962 – Complejo edilicio episcopal: Curia, Universidad Católica, viviendas y locales en Mar del Plata.

Supo combinar encargos arquitectónicos para comitentes civiles y obras de arte plástico en diversidad de técnicas: pintura en óleo, pasteles, tintas, aguadas, acuarela, dibujo en pluma y de estilos: realismo académico, impresionismo, expresionismo, según las distintas etapas por las que atravesó.

László Szabó nunca volvió a su Hungría natal. Las ocupaciones iniciales por la familia, el desarrollo profesional, la solidaria colaboración con su colectividad y finalmente problemas de salud, lo mantuvieron en Argentina acostumbrado a una vida que nunca fue totalmente suya.

En los últimos años se fue apagando sumido en el sentimiento de desarraigo que nunca pudo superar y murió en Buenos Aires, el 11 de junio de 1997, a poco de cumplir los 90 años.

El escudo de Hungría-

En el muy querido retablo de la Catedral de Mar del Plata.

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Luce el «pequeño blasón» húngaro…

Hungría

– 1º fajado de ocho piezas de gules y plata

-2º, de gules, un monte de tres peñas de sinople moviente de la punta sumada de un coronel de oro del cual sale una cruz patriarcal de plata.

En el timbre, la corona del rey San Esteban.  

En el tiempo en que Laszlo Szabó de Dobos diseñó este retablo de la Catedral marplatense 1960/61, Hungría no usaba el escudo histórico, sino otro escudo impuesto por las autoridades comunistas…

Haber colocado el escudo histórico de Hungría, timbrado con la Corona de San Esteban en el retablo era: o una declaración de principios… o bien un recuerdo de su amada y lejana patria…o bien un acto de rebeldía.

Quizás, pueda sorprender a muchos la presencia del escudo Húngaro en una catedral argentina pero el pequeño blason húngaro habla por si solo de ese amor incuestionable y sagrado que tenemos todos al amado lugar, llamado Patria donde se ha nacido.

El Canal de Corinto

El Istmo de Corinto une la península del Peloponeso con la Hélade, la parte de la Grecia continental…

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Está bañado por los mares Jónico y Egeo. En su punto más estrecho, el istmo mide 6 km de ancho y desde finales del siglo XIX atravesado por el Canal de Corinto, cuyos planos se remontan a la Antigüedad.

Históricamente…

El primero en proponer la construcción de un canal en el Istmo de Corinto fue el tirano Periandro en una fecha tan temprana como el siglo VII a.C. al final el proyecto que se llevó a cabo fue el diolkos, una calzada pavimentada con surcos a los lados sobre la que los barcos eran arrastrados en una especie de vagón rudimentario. El diolkos permaneció en uso hasta el siglo I de nuestra era, y aun hoy pueden verse sus restos junto al canal. Una maravilla para la época!!!

Unos 300 años más tarde sería Demetrio Poliorcetes, rey de Macedonia, quien, según cuenta Estrabón entre los años 304 y 303 a.C. decidió acometer la obra de abrir un canal. No obstante, abandonó igualmente la idea por el informe de los ingenieros :

«Demetrio intentó perforar el Istmo del Peloponeso a fin de dar camino de salida a su escuadra, y que se vio obstaculizado por sus ingenieros, que efectuaron mediciones y le informaron de que el mar estaba en el Golfo de Corinto a mayor altura que en la zona de Céncreas, de suerte que, si perforaba el espacio de tierra que se interponía, quedarían inundados el canal que rodea a Egina, la propia Egina y las islas vecinas, y ya no sería provechosa la travesía»

Durante mucho tiempo se pensó que aquellos ingenieros tenían que haber realizado mal sus mediciones. Dice Walter Werner en un artículo publicado en 1997 en The International Journal of Nautical Archaeology: «Sus ingenieros creían que el nivel del mar del Golfo de Corinto era más alto que el del Mar Egeo. Preveían que la construcción de un canal provocaría grandes inundaciones y que la corriente haría imposible la navegación por el canal. Debido a estos cálculos incorrectos, toda la actividad fue interrumpida»

Por sorprendente que parezca, los ingenieros no estaban totalmente equivocados.

La idea no era nueva…

Nerón, iniciaría los trabajos de excavación del canal de Corinto: Como lo cuenta Suetonio, en su Vidas de los doce césares VI: «al son de la trompeta empezó a picar, llenó un capazo de tierra y lo subió él mismo sobre los hombros». Nerón murió un año después del comienzo de las obras y su sucesor Galba canceló el proyecto por considerarlo demasiado costoso.​

El filósofo griego y senador romano Herodes Ático, también consideró excavar un canal, pero no logró poner en marcha un proyecto al respecto. Bajo Adriano, el mecenas Ático llevó a cabo obras de embellecimiento en el Istmo.​

Bajo Justiniano, se construyó una gran muralla, cuyos restos aún son visibles cercando el Istmo.

Se sabe que en 1303, los caballeros francos lucharon el último torneo, que jamás volverían a contemplar en el famoso Istmo.

​ Los venecianos, también consideraron la idea en 1687 tras su conquista del Peloponeso… pero tampoco concretaron un proyecto.

A finales del siglo XIX empresarios franceses se animaron, pero también fracasaron tras la bancarrota de la compañía francesa que excavó el canal de Panamá, los bancos de Francia se negaron a prestar dinero, y la compañía terminó también en bancarrota.

Una nueva concesión

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Se otorgó la concesión a la Société Internationale du Canal Maritime de Corinthe en 1881, para construir el canal y operarlo por los siguientes 99 años.

Construcción del canal (1882-1893) 

 Se utilizaron las mejores tecnologías existentes y más de 2.500 personas trabajaron en él, entre trabajadores y técnicos. Una estructura que debería haber llevado a una mejora naval y un desarrollo económico entre varios países. 

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La construcción se inauguró formalmente el 23 de abril de 1882, en presencia del rey Jorge I de Grecia.

No faltaron problemas…

Quizás el mas dificil de solucionar se debió a la naturaleza de la roca sedimentaria, en una zona sísmica activa por la cual pasa el canal.

El canal ahorra cerca de 700 kilómetros de viaje alrededor del Peloponeso, de ahí su tremenda importancia aunque actualmente, es muy angosto para los buques de carga modernos, pues solo permite el paso de naves de un ancho máximo de 17,6 m y de un calado de 7,3 m.

Los buques solo pueden pasar por el canal de un convoy a la vez, en un sistema de un solo sentido. Las embarcaciones grandes deben ser remolcadas.​

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Aunque fue inaugurado formalmente en julio de 1893, no se abrió a la navegación hasta el mes de noviembre siguiente, debido a deslizamientos de tierra.

Los grandes muros de caliza del canal habían sido persistentemente inestables desde el comienzo. Pronto se descubrió que la estela de los barcos que pasaban por el canal iba socavando las paredes, provocando nuevos deslizamientos. Esto requirió más gastos en la construcción de muros de contención a lo largo del borde del agua para algo más de la mitad de la longitud del canal, utilizando unos 165 mil metros cúbicos de mampostería.​

En la Segunda Guerra Mundial, causaron serios daños al canal, al ser escenario de batalla debido a su importancia estratégica. El 26 de abril de 1941, durante la batalla de Grecia entre las defensoras tropas británicas y las fuerzas invasoras de la Alemania Nazi, tropas de paracaidistas y planeadores alemanes intentaron capturar el puente principal sobre el canal. El puente fue defendido por los británicos, que habían colocado explosivos para demolerlo.

Tres años más tarde, cuando las fuerzas alemanas se retiraron de Grecia, el canal quedó inoperativo por las operaciones alemanas de «tierra quemada». Se comenzó a trabajar en el despeje del canal en noviembre de 1947 y logró su apertura para tráfico de poca profundidad hacia el 7 de julio de 1948 y para todo tipo de tráfico en septiembre del mismo año.


Es el único canal de 8 m de profundidad, excavado al nivel del mar por lo que no requiere de esclusas, midiendo 6343 m de largo y 24,6 m de ancho en su parte más alta y 21,3 m de ancho en su parte más baja.

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Los muros rocosos, que se elevan 90 m sobre el nivel del mar, están en un ángulo semivertical de 80°. Es cruzado por una vía férrea, un camino y una autopista a una altura de cerca de 45 m. En 1988, se instalaron puentes sumergibles al nivel del mar en cada extremo del canal, en el puerto oriental de Istmia y el occidental de Poseidonia.

Puentes sumergibles

La característica de» ingeniería única» del Canal, son estos puentes.

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Hay uno en cada extremo, en el istmo y en Corinto. Sumergen la parte central hasta 8 metros debajo del nivel del agua cuando dan paso a los barcos que lo cruzan..

La ventaja principal del puente sumergible sobre puentes levadizos similares es que no hay una estructura por encima del canal de navegación y, por tanto, no tienen limitación de altura del tráfico de buques, siendo particularmente importante en canales en que naveguen barcos de vela.

El canal es hoy utilizado por embarcaciones de turismo: alrededor de 11 000 buques turísticos lo atraviesan por año. Naves de diferentes esloras cruzan esta vía artificial con la única intención de abordar esta espectacular obra de ingeniería y deleitar a sus pasajeros.

Experiencia única.

Recientemente en 2023, el buque Braemar de la naviera Fred Olsen, ha pasado a los anales de la historia como la embarcación más grande en atravesarlo. Su escaso margen de maniobra, inferior al metro, hizo de la operación un acontecimiento en sí mismo.

Grecia dispondrá en 2024 de un centro de transporte marítimo modernizado que apoyará aún más la industria turística local, declaró a la prensa George Zouglis, Director General de Corinth Canal S.A.

El Canal de Corinto es uno de los proyectos emblemáticos de la historia reciente de Grecia. Junto con el plan de restauración, se elaborará un plan de desarrollo moderno, con el objetivo de maximizar el papel del Canal no sólo en el desarrollo de la región en general, sino también en la economía del país.

Nueve reyes y un funeral

Exequias si las hubo…

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Las exequias por el monarca Eduardo VII representaron el final de una época…

El 6 de mayo de 1910, Eduardo VII estaba enfermo con bronquitis. Fumó un cigarro al mediodía y sufrió un infarto, muriendo a las 23:45 en el Palacio de Buckingham. Fue sucedido por su hijo, Jorge V.

El funeral se celebró dos semanas después de la muerte del rey el 20 de mayo. Enormes multitudes, se reunieron para ver la procesión, cuyo recorrido estaba bordeado por 35.000 soldados.​

Pasó del Palacio de Buckingham a Westminster Hall, donde el arzobispo de Canterbury, Randall Davidson, llevó a cabo una pequeña ceremonia ante un pequeño grupo de dolientes oficiales: la viuda del difunto rey, la reina Alexandra, su hijo recientemente elevado Jorge V, su hija, la princesa Victoria, su hermano el duque de Connaught y su sobrino el emperador alemán. El resto esperó fuera del Salón… miles de invitados.

El Big Ben, sonó 68 veces, una por cada año de vida de Eduardo VII. Los reyes, duques, príncipes y representantes políticos como el expresidente estadounidense, Theodore Roosevelt acompañaron al rey, también César, el fox terrier de Eduardo VII y el caballo favorito del rey…

Barbara Tuchman narraba el cortejo fúnebre y dejaba uno de los mejores arranques de un libro de historia en su clásico, «Los cañones de agosto», premio Pulitzer en 1962, en el que explica la llegada de la Primera Guerra Mundial.

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“Era tan maravilloso el espectáculo aquella mañana de mayo del año 1910, en que nueve reyes montaban a caballo en los funerales de Eduardo VII de Inglaterra, que la muchedumbre, sumida en un profundo y respetuoso silencio, no pudo evitar lanzar exclamaciones de admiración. Vestidos de escarlata y azul y verde y púrpura, los soberanos cabalgaban en fila de a tres, a través de las puertas de palacio, luciendo plumas en sus cascos, galones dorados, bandas rojas y condecoraciones incrustadas de joyas que relucían al sol. Detrás de ellos seguían cinco herederos al trono, y cuarenta altezas imperiales o reales, siete reinas, cuatro de ellas viudas y tres reinantes, y un gran número de embajadores extraordinarios de los países no monárquicos. La conocida campana del Big Ben dio las nueve cuando el cortejo abandonó el palacio, pero en el reloj de la Historia era el crepúsculo, y el sol del viejo mundo se estaba poniendo, con un moribundo esplendor que nunca se vería otra vez”.

César, el famoso foxterrier

Cuando murió en abril de 1914 el can fue enterrado en los terrenos de la casa de Marlborough, residencia de la reina Alexandra. Existe una talla de César en los pies de la tumba de Eduardo VII en la capilla de San Jorge en Windsor privilegio digno de un rey…

Europa vivía la Belle Époque

La era del imperialismo. Las grandes potencias europeas llevaban en paz desde la guerra franco-prusiana de 1871.

Fue el último gran evento de la realeza mundial y el fin de toda una era.

En menos de una década, la mayoría de estos imperios se habían desmoronado por los efectos de la Primera Guerra Mundial.

La pompa de la marcha fúnebre seguía teniendo un aire victoriano, con representantes de reinos como el de Siam hoy Tailandia, familiares del Sha de Persia, o de la dinastía imperial Qing de China, a punto de desaparecer.

El primer premio Nobel de Literatura británico, Rudyard Kipling, considerado el escritor del Imperio, narraba por carta el solemne silencio de esos días: “Era una quietud absoluta. Escuché durante mucho tiempo, pero a excepción de las abejas no había nada. Verás, toda Inglaterra, literalmente todo nuestro Imperio, se estaba preparando para el Entierro del Rey”.

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El encuentro dejó una histórica instantánea en la que posaron juntos nueve monarcas europeos: Haakon VII de Noruega, Fernando de Bulgaria, Manuel II de Portugal, Guillermo II de Alemania, Jorge I de Grecia, Alberto I de Bélgica, Alfonso XIII de España, Jorge V del Reino Unido el nuevo monarca inglés y Federico VIII de Dinamarca.

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Haakon VII de Noruega– El pueblo noruego apoyó a la monarquía, con cerca de un 79 % de la votación en el referéndum, el parlamento noruego ofreció entonces el cargo de nuevo monarca a Carlos el 18 de noviembre de 1905, quien aceptó. Así, Carlos tomó el nombre de Haakon VII, un nombre famoso dentro de la antigua monarquía noruega, y era el primer rey de una Noruega independiente desde el reinado de Haakon V en la Edad Media. Fue coronado en la Catedral de Nidaros, en Trondheim el 22 de julio de 1906.

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Fernando de Bulgaria-proclamado príncipe regente de Bulgaria el 7 de julio de 1887, diez meses después de la abdicación de su predecesor, Alejandro I de Bulgaria. Durante su largo reinado, Bulgaria proclamó la independencia del Imperio otomano y participó en diversas guerras para ampliar su territorio.

Se vio forzado a abdicar tras la derrota del país en la Primera Guerra Mundial en 1918 y vivió desde entonces en el exilio hasta su muerte en 1948.

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Manuel II de Portugalapodado O Patriota y O Desventurado (Lisboa, 15 de noviembre de 1889-Twickenham, 2 de julio de 1932),​ fue el último rey de Portugal entre 1908 y 1910.
La revolución republicana se inició el 4 de octubre de 1910, con una pequeña revuelta militar en Lisboa la marina de guerra bombardearon el palacio real desde el estuario del Tajo.Ante la falta de apoyo, el 5 de octubre Manuel, refugiado en el palacio de Mafra, huyó desde las playas de Ericeira, al norte de Lisboa, a Gibraltar con toda la familia real el exmonarca se dirigió a Gran Bretaña, donde fue recibido por su tío cuarto el rey Jorge V.
El rey murió joven inesperadamente en su residencia el 2 de julio de 1932, por enfermedad y sin hijos, la causa fue un edema de garganta.

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Guillermo II de Alemania -Último emperador alemán (Deutscher Kaiser) y rey de Prusia, reinando desde 1888 hasta su abdicación forzosa en 1918. Tras el estallido de la Primera Guerra Mundial, Guillermo II fue progresivamente apartado por la cúpula militar. Alemania se fue convirtiendo progresivamente en una dictadura militar de facto. No obstante, el emperador aún conservó parte de su poder e influencia hasta enero de 1917.Tras el estallido de la Revolución alemana, Guillermo II, abandonado por sus generales y sus súbditos, partió al exilio en los Países Bajos durante la madrugada del 10 de noviembre de 1918. El 28 del mismo mes abdicó formalmente, poniendo fin a más de quinientos años de gobierno de la casa de Hohenzollern. Vivió exiliado en Huis Doorn hasta su muerte en 1941.

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Jorge I de Grecia – el más largo de la historia moderna de Grecia, pues duró casi 50 años, se caracterizó por las incorporaciones territoriales de Grecia al mismo tiempo que el país se hacía un hueco en la Europa anterior a la Primera Guerra Mundial. Jorge I fue asesinado durante la Primera Guerra de los Balcanes.

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Alberto I de Bélgica– Tercer rey de los belgas desde la muerte de su tío, Leopoldo II, en diciembre de 1909, hasta su deceso en 1934.

Su abuelo, Leopoldo I, había sido el primer rey de los belgas, y su tía Carlota, la emperatriz de México. Jefe supremo del ejército belga, tomó el control personalmente de las tropas de su país al estallar la Primera Guerra Mundial y llegó a estar al frente de las operaciones en la batalla del Yser que tuvo lugar entre el 16 y el 31 de octubre de 1914.

El ejército belga resistió al avance alemán y lo sostuvo el tiempo suficiente para que Gran Bretaña y Francia se prepararan para la batalla del Marne (del 6 al 9 de septiembre de 1914). Alberto entró en Bruselas como un héroe en noviembre de 1918, ganando el apodo de «Rey Soldado» o «Rey Caballero».Murió a consecuencia de las lesiones sufridas en una caída mientras escalaba una montaña en Marche-les-Dames, las Ardenas, (Bélgica) en 1934.

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Alfonso XIII, hijo póstumo de Alfonso XII y su segunda mujer, María Cristina de Habsburgo-Lorena, nació en Madrid en 1886, siendo proclamado Rey ese mismo día bajo la Regencia de su madre. Al cumplir los 16 años juró la Constitución de 1876 y pasó a ejercer ya como Rey confirmando en el poder a Sagasta. En 1906 casó con la Princesa Victoria Eugenia de Battemberg, nieta de la Reina Victoria de Inglaterra. Ese mismo día, en el regreso de la ceremonia estando ya cerca de Palacio, sufrieron un atentado del que salieron ilesos aunque hubo muchos muertos entre el público que presenciaba el paso de la comitiva regia.

Este trágico suceso marcó el futuro del reinado lleno de problemas y tensiones. La Dictadura en principio arregló algunos de los problemas planteados, en especial el militar y el económico, pero su coste social y político fue enorme pues en su caída arrastró al propio monarca 1931 abandonó España para no regresar ya nunca más. Murió en roma en 1941 mientras la Reina Victoria Eugenia lo hacía en Lausana en 1969.

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Jorge V del Reino Unido el rey del Reino Unido y los Dominios Británicos de Ultramar y emperador de la India desde su ascenso al trono, el 6 de mayo de 1910, hasta su deceso, en 1936.

Como resultado de la Primera Guerra Mundial, cayeron los imperios de sus primos: el zar Nicolás II de Rusia y el káiser Guillermo II de Alemania, mientras el británico se expandía a su máxima extensión. En 1917, Jorge se convirtió en el primer monarca de la casa de Windsor, nombre con el que rebautizó a la casa de Sajonia-Coburgo-Gotha a consecuencia del antigermanismo imperante.

Su reinado vio el surgimiento del socialismo, comunismo, fascismo, republicanismo irlandés y el movimiento de independencia de la India, que cambiaron radicalmente el panorama político. Fue sucedido por su hijo mayor, Eduardo VIII.

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Federico VIII de Dinamarca -hijo de Cristián IX de Dinamarca y de su esposa Luisa de Hesse-Kassel y el segundo rey danés de la casa de Glücksburg. Hermano de la zarina de Rusia María Fiódorovna, de la reina Alejandra del Reino Unido y de Jorge I rey de los helenos.

Federico se convirtió en rey de Dinamarca como Federico VIII a la muerte de Cristián IX el 29 de enero de 1906. Él tenía 62 años en ese entonces y había sido Príncipe heredero durante 43 años. Solo tuvo 6 años para demostrar su capacidad regia, antes de morir.


«Lo esencial es invisible a los ojos».

«El principito»

Por lejos…El mejor!!! Libro exquisito, desde el punto de vista que se prefiera y de una fescura y agudeza total! Para leerlo toda la vida…

La obra es de Antoine de Saint-Exupéry un escritor y piloto de aeronaves de lo más especial. Un relato para reencontrarse con el niño que alguna vez fue.

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En 1943 un 6 de abril se publica El Principito -lo hace la editorial Reynal & Hitchcock de los Estados Unidos en inglés, también se encargó de publicar la versión original en francés una semana después.

Katherine Woods fue quien tradujo al inglés la obra por primera vez. Un crítico indicó que la casi «poética» traducción de Wood siempre ha sido admirada por muchos amantes de El principito,mantiene el espíritu y el encanto de la narración de Saint-Exupéry, aunque no tiene su precisión literal.

En Francia, el libro no pudo ser publicado oficialmente hasta que la nación fue liberada de la Alemania nazi, la editorial Éditions Gallimard se encargó de su publicación en 1946.

Otras fuentes señalan que antes de la liberación de Francia algunas copias de las obras de Saint-Exupéry fueron difundidas «secretamente», como en febrero del 1943, alrededor de mil ejemplares de su relato autobiográfico Pilote de guerre, fueron impresos clandestinamente en Lyon.

La novela, ilustrada por el propio autor, se convierte en un clásico instantáneo y es considerada una de las obras más populares del siglo XX.

Un aviador recrea el momento en que quedó varado en el desierto y se le apareció un niño que venía de otro planeta, con quien entabla relación. La historia dio pie a versiones cinematográficas y teatrales.

El principito se ha convertido en el libro francés más leído y traducido de todos los tiempos, ya que para el 2012 había pasado los doscientos cincuenta idiomas y dialectos, incluyendo al sardo y al sistema de lectura braille y de los pocos libros modernos traducido al latín.

En 2005, traducido al toba, lengua indígena del norte de Argentina, bajo el título de So Shiyaxauolec Nta’a. Primer libro en ser traducido a dicho idioma desde el Nuevo Testamento. La antropóloga Florencia Tola comentó sobre la idoneidad de la traducción: «nada extraño cuando el principito habla con una serpiente o un zorro y viaja entre las estrellas, encaja perfectamente con la mitología toba»
Traducido en Argentina por Bonifacio del Carril, por primera vez en español en septiembre de 1951. La editorial argentina Emecé Editores.

Otras ediciones en español se han sumado: en 1956, la editorial mexicana Diana difundió su primera edición de la obra, El pequeño príncipe, una traducción de José María Francés.

En España se produjo otra edición de la obra, El pequeño príncipe, en 1965 y dos años más tarde, en 1967, con la traducción de José Hierro.

En 1968, ediciones en Colombia y en Cuba, esta última se realizó con la traducción de Luis Fernández de 1961. En Chile 1981, Perú 1985, Venezuela 1986 y Uruguay 1990 crearon otras ediciones.

​Todas ediciones en español, pero existen dos traducciones a jergas del idioma: en «cheli«, traducida por Álvaro de Benito bajo el título El chaval principeras. La otra en «gacería», por Ana Rosa Zamarro como El pitoche engrullón, ambas editadas en 2022 por Libros desde Tuma.

Adaptaciones de audio narradas por diversos artistas se transmitieron por la radio.

El actor inglés Richard Burton recibió en la decimoctava edición del premio Grammy en la categoría «Mejor grabación infantil»por su narración de la obra en 1974.

En 1993, el descubrimiento de un nuevo asteroide acabó con el nombre de 46610 Bésixdouze, para honrar el asteroide B-612, lugar donde residía el Principito.

En 1945, uno año después de la desaparición del escritor su viuda escribió Memorias de la rosa, un manuscrito sobre la relación de la pareja. Permaneció oculto por décadas… fue hallado por casualidad varios años después de su muerte en 1979 …publicado en el año 2000.
No podía faltar un parque temático dedicado a El Principito, inaugurado en julio de 2014 en la localidad de Ungersheim en la región de Alsacia con gran éxito.

En enero de 2019, la librería portuguesa Lello puso en exposición una copia de la primera edición de «El principito» firmada por el mismo Antoine de Saint-Exupéry y valuada en unos US$28.000.

La Obra

Representa al niño que todos llevamos dentro, los sentimientos de amor, esperanza e inocencia que alimentan nuestra vida. Su forma de ver el mundo motiva al piloto a escribir el relato para reencontrarse con el niño que alguna vez fue…

Stacy Schiff, una de las principales biógrafas de Saint-Exupéry, escribió sobre el autor y su obra más famosa:«raramente un autor y un personaje han estado tan íntimamente unidos como lo están Antoine de Saint-Exupéry y su principito», y remarcó de sus dobles destinos: «[…] los dos permanecen enredados entre sí, como inocentes gemelos caídos del cielo».

Personajes

El Principito el personaje principal. Vive en un asteroide,B-612 apenas más grande que una casa. Tiene variedades de plantas, y tres pequeños volcanes, uno de los cuales se encuentra inactivo que abandonó… para viajar por el universo en busca de un amigo.

Cuando llega a la Tierra conoce al Piloto, al que le cuenta sus impresiones sobre el mundo de los adultos, siempre tan ocupados y su incapacidad para darle valor a las cosas que realmente son importantes en la vida.

El rey: único habitante del primer planeta que visita el principito. autoritario, de estrambótica vestimenta y con una enorme necesidad de ser obedecido.

El vanidoso: personaje del segundo planeta visitado por el principito. superficial, egocéntrico, con aires de superioridad…Siempre porta un extraño sombrero.

El bebedor: habitante del tercer planeta que recorre el pequeño príncipe. deprimido, desorientado, invadido por la vergüenza, la tristeza y el sentimiento de culpa.

El hombre de negocios: habitante del cuarto planeta que vista el principito antes de llegar a la Tierra. “un hombre serio”. ocupado en sus cálculos que es incapaz de observar las cosas valiosas de su entorno.

El farolero: es quien habita el quinto planeta.. Es una persona honesta, fiel, comprometida, servicial, responsable y trabajadora que se encarga de cumplir su misión a pesar del cansancio

El geógrafo: este personaje vive en el sexto planeta. Es culto, serio y orgulloso de su profesión. alguien demasiado importante como para salir a explorar el mundo, se conforma con conocer y plasmar en sus libros experiencias de viajeros confiables.

El cordero:  un dibujo, de mucha importancia para el principito, debe cuidarlo cada día.

Los baobabs: le preocupan, son árboles que pueden llegar a crecer demasiado, al punto de destruir su pequeño planeta.

La flor: habita en su hogar del principito su más preciado tesoro. Se caracteriza por ser hermosa, caprichosa, obstinada, orgullosa y un poco vanidosa. El principito la ama y se preocupa por cuidarla.

La serpiente: vive en las arenas del desierto del Sahara ayuda al principito a regresar a su hogar. poderosa, escurridiza, calculadora y letal.

El zorro: gran amigo, le enseña el valor de la verdadera amistad. Alegre, carismático y en búsqueda de un amigo incondicional que lo haga feliz.

Un libro pequeño lleno de sencillas reflexiones que lo hacen grande…

«Los ojos pueden engañarnos, no así el corazón » Una reflexión sobre el verdadero valor de las cosas, su verdadera esencia.
«Cuando uno está verdaderamente triste son agradables las puestas de sol…».
La belleza de las puestas de sol, trasmiten paz y quietud es esperanzador… nos recuerdan que al día siguiente volverá a salir el sol.

«Nadie está nunca contento donde está».
El ser humano no valora su propia suerte, inconformes deseamos lo que está fuera de nuestro alcance, aun si tenemos mucho, aun si nuestra suerte es buena…

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«Los vanidosos no oyen sino las alabanzas».
Las personas vanidosas no escuchan ningún consejo y se ofenden ante cualquier sugerencia.
La mera admiración al vanidoso no le sirve a este para crecer, sino que lo confirma en su posición.

«Nadie le creyó por culpa de su vestido. Las personas grandes son así».
Con mucha frecuencia, las personas adultas juzgan a los demás por su aspecto exterior.

«Todas las personas grandes han sido niños antes. Pero pocas lo recuerdan».
Todos y cada uno de los seres humanos adultos han pasado por la infancia eran capaz de creer en lo imposible. Pero al crece, pierden su fe y su imaginación.

«Yo era demasiado joven para saber amarla». tomar conciencia de que existe una diferencia entre amar y saber amar. Amor y sabiduría caminan de la mano.

«Y los hombres no tienen imaginación. Repiten lo que se les dice».
Los adultos, abandonan los juegos de la imaginación. Prefieren adecuarse a las opiniones de la mayoría.

«Las personas grandes nunca comprenden nada por sí solas y es cansador para los niños tener que darles siempre explicaciones».

Lleno de frases gloriosas!!

  • “Solo se ve bien con el corazón. Lo esencial es invisible a los ojos”Zorro.
  • “Hay que exigir a cada uno lo que cada uno puede dar”Rey.
  • Es una ocupación muy bonita. Es realmente útil porque es bonita”. El principito.
  • “Si vienes, por ejemplo, a las cuatro de la tarde, a partir de las tres empezaré a ser feliz”. Zorro.
  • “Solo se conocen las cosas que se domestican”. Zorro

Antoine de Saint-Exupéry

Nació en Lyon, Francia, en 1900, fue el tercer hijo del Conde Jean-Marie de Saint-Euxpéry y Andrée Marie Louise Boyer de Fonscolombe, matrimonio aristocrático y empobrecido. Quedó huérfano a los cuatro años El 31 de julio de 1944, realizó un viaje a bordo un Lightning P-38, pero el avión no llegó al destino. Fue declarado desaparecido. Durante las siguientes décadas se han encontrado restos de la nave y pertenencias de él. En 7 de septiembre de 1998, un pescador de Marsella, encontró en sus redes una pulsera de plata oxidada en la que estaba grabado el nombre de Antoine de Saint-Exupéry. En 2004 se produjo la confirmación oficial de estas posesiones por parte del Departamento de Arqueología Subacuática.

Avión que piloteó Antoine de Saint-Exupéry, cuando trabajara como piloto y director de la empresa Aeroposta Argentina.

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Saint-Exupéry, fue aviador y escritor. Parte de su experiencia como piloto le sirvió de inspiración para escribir el libro.

Un amor a primera vista.

Antoine y Consuelo se conocieron en Buenos Aires en 1930 ella era viuda y divorciada, nada bien visto por entonces… Saint-Exupéry quedó encantado con ella, se casaron en Niza el 22 de abril de 1931. Consuelo Suncín-Sandoval Zeceña, era escritora y artista salvadoreña. La unión produjo rechazo por parte de la familia del Antoine. Pese a todo Consuelo se convirtió en musa y cómplice de su marido.

Su matrimonio duró 15 años, hasta la muerte del autor. Fue un romance lleno de altibajos, pero el autor, siempre volvía con su esposa y pasaban momentos felices. Tal admiración quedó plasmada en su obra El principito, donde la rosa representa a su gran amor.

En 1975, un asteroide sería bautizado como 2578 Saint-Exupéry, en honor al escritor.

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Una obra Maestra!

«La incredulidad de Tomás» de Caravaggio c. 1601–1602- óleo de 107 X 146 cm está en Alemania, en Potsdam, en el Palacio de Sanssouci.

Caravaggio es una de las figuras más importantes del Barroco temprano.

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La obra, es hoy la representación más famosa pese a la inusual colocación de Tomás a la derecha del espectador…siempre vemos la figura más importante en ese lugar…

Un grupo de artistas católicos de Utrecht, conocido como «Los caravaggistas de Utrecht», viajaron a Roma a principios del siglo XVII, y fueron profundamente influenciados por la obra de Caravaggio, como describe el artista y crítico de arte italiamo Bellori.

Luego, durante la década de 1620 renació en pintores como: Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst, Andries Both y Dirck van Baburen.

En la siguiente generación, el caravaggismo influyó en varios pintores, como Peter Paul Rubens quien realizó una copia de El entierro de Cristo, Rembrandt Harmenszoon van Rijn y Diego Velázquez, quien durante su estancia en Italia tuvo la oportunidad de conocer y estudiar sobre el arte de Caravaggio.

Dos grandes

Rembrandt – pintado en 1634. La figura iluminada de Cristo, de quien la luz es la irradiación de toda la escena. Este cuadro (53 x 51 cm) se encuentra actualmente en el Museo Pushkin de Moscú.

Rubens-«Retablo de Rockox», es un tríptico pintado entre 1613 y 1615. Conservado actualmente en el Museo Real para Bellas artes en Amberes.

Pintado para los Giustiniani.

Caravaggio creó un lenguaje en pintura: «Tenebrismo» lo llamaron los historiadores, aumentando el claro oscuro con un fuerte contraste entre luces y sombras. Se trata de un estilo del Barroco muy emocional y lejos de la idealización las figuras, sus escenografías y personajes son realistas, incluso naturalistas.

La Incredulidad de Tomás, nos permite ver el tremendo pathos y los estadios psicológicos como antes no se habían visto, además del dominio celestial de la luz que anuncia y antecede a Rembrandt, Velázquez o Rubens.

En los primeros años del siglo XVII, Caravaggio fue celebrado por muchos contemporáneos por su «divino arte de la pintura». El poeta Gaspare Murtola, alabó el efecto de sus figuras, afirmaba «apenas distinguible de los seres vivos».
El artista, tenía el don de llevar cualquier pintura a una representación realista. Fue capaz de controlar el enfoque del espectador, dirigiendo la atención hacia dónde quería que el espectador se fijara.
Caravaggio le imprimió su violento uso del claroscuro y de intensos contrastes entre luces y sombras, adaptó la técnica renacentista tardía para lograr algo nuevo.

El cuadro

Muestra a Cristo resucitado ante sus discípulos de miradas estupefactas. Tomás se niega a creer la resurrección del Señor«Si no veo en sus manos la señal de los clavos y si no meto mi dedo en los agujeros de los clavos y no meto mi mano en su costado, no creeré”. Una semana después, Jesús le ofrece que toque sus heridas. El naturalismo típico de Caravaggio se hace presente aquí, al mostrar al santo como un incrédulo.

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La figura de Michelangelo Merisi da Caravaggio -pintor italiano, activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre 1593 y 1610 es por demás fascinante…

De vida agitada y novelesca, incomprendido por contemporáneos, en constantes huidas… es decir, los ingredientes necesarios para ganarse el nombre de «artista maldito» tal vez el primero de esta extraña estirpe y sin duda uno de los más conspicuos.

Las obras de Merisi… !!Sublimes !!! y llenas de tragedia, con una técnica precisa y elevada, como tocadas por un halo de excelencia, de maestría. Son obras que eliminan la pincelada y nos sumergen en un naturalismo tenebrista. Como supieron ver esos comitentes que pujaban por hacerse con uno de sus lienzos y que aún hoy todavía quitan la respiración.

Tomás que pone su dedo sobre la herida de Cristo, el artista hace que justamente en este punto caiga un reflejo de luz para darle aún más énfasis.

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Otro particular… uniendo las cabezas de los protagonistas se puede notar que forman una cruz, esta no es coincidencia, es para darle un toque sacro a la obra.

Caravaggio-–-La-incredulidad-de-Santo-Tomás-1602

caravaggio-2-curiosidarioLa composición está inscrita en un óvalo lo que da sensación de grandeza,está dividida en dos partes, la de la izquierda muy luminosa y la de la derecha más oscura, resaltando así la figura de Cristo.

 Detrás de Jesús y de Tomás hay otras dos figuras… no específicamente identificados, representan al espectador…

Representación realista

La pintura de Caravaggio es conocida precisamente por su «realismo» tanto de los personajes, como de los eventos que representa. Fue uno de los primeros pintores en encontrar belleza, no siempre en las cosas bellas.

En el caso de La incredulidad de Santo Tomás, se traduce en una imagen vívida y poderosa del apóstol dudando de la Resurrección de Jesús al colocar su dedo en la herida de su costado. El «realismo» ayuda a los espectadores a conectarse emocionalmente con la escena y comprender mejor la historia detrás de ella…

El espectador casi puede escuchar las palabras de Tomás “¡Señor mío y Dios mío!” Jn 20:28.

Todo un maestro

«Caravaggio inventó un nuevo modo cinematográfico«, escribió Pasolini en 1974, en un texto titulado «La luz de Caravaggio«.

Caravaggio pintó a sus semejantes y esta novedad fue escandalosa por su falta de decoro. Los protagonistas eran: las pobres gentes y sus historias callejeras… Además, explicó Pasolini, creador de una nueva luz, con la que “sustituyó la iluminación universal del Renacimiento platónico por una luz cotidiana y dramática”.

Álvaro Enrigue el escritor de Muerte súbita 2013 “Caravaggio fue a la pintura lo que Galilei a la física: alguien que abrió los ojos y dijo lo que estaba viendo; alguien que descubrió que las formas en el espacio no son alegorías de nada más que sí mismas y eso es suficiente; alguien que entendió que el verdadero misterio de las fuerzas que controlan nuestra manera de habitar el mundo no estriba en que sean elevadas sino elementales”.

Un estilo diferente…una herramienta eclesiástica de coerción y persuasión para acercar a los fieles a situaciones menos idealizadas y más próximas a lo anecdótico y cotidiano.

La técnica de Caravaggio

Conocida como técnica veneciana. Una evolución de las técnicas de pintura clásicas anteriores basada en el método del Renacimiento tardío.

Sin bocetos preparatorios, Caravaggio combinó la observación cercana con el uso de fuertes rayos de luz contrastando luces y sombras.

La técnica veneciana

Una técnica de óleo en la que por lo general se empleaban lienzos blandos de lino. Sobre estos se aplicaba una imprimatura conocida como imprimatura de aceite.

La primera capa de pintura que aplicaba Caravaggio solía ser una capa monocromática hecha a mano en valores de sombra y negros. La «base» del cuerpo de pintura del color local se mezclará en ella.
El color era aplicado a manera de veladuras translucidas sobre los impastos blancos.

Estas veladuras se aplicaban con diversas barnicetas de aceites espesados mezcladas con temple. Solian emplearse varias capas de pigmento para dar brillantes a un color.
Por último, se aplicaba el vidriado, usando finos velos transparentes de color y aceites con resina.
Entre los pigmentos que utilizó encontramos: rojo cinabrio, tierras, sienas, ocres y óxidos, exclusivamente.

Un artista excepcional por su talento y estilo, con este solo cuadro, entre los tantos prodigios que creó, Caravaggio tiene más que suficiente para ganarse la inmortalidad dentro de la Historia del Arte.

Su importancia revolucionaria en la Historia de la Pintura se debe a la búsqueda de un realismo sin igual rechazando la idealización. Uno de los primeros pintores en buscar la belleza no sólo en las cosas bellas.

Métodos de trabajo

Fueron igualmente atípicos. Su obra antecede varios siglos al movimiento realista del siglo XIX e incluso a ciertos aspectos del hiperrealismo. Pese a esta distancia temporal, aborda la realidad desde una perspectiva muy similar a la del realismo de Courbet, retratando no sólo lo bello de la vida, sino también sus matices dolorosos.

Utiliza como modelos a campesinos, personas rústicas para representar figuras santas, curioso al principio, pero resulta pertinente para un período marcado por los fuertes contrastes como lo es el Barroco.

La mirada Tomás nos lleva a ese momento asombroso. Sus ojos se abren de par en par y su ceño fruncido por la sorpresa.

Otra mano guía la mano del que duda: Jesús, que dice a Tomás: “Extiende tu mano y métela en mi costado” Jn. 20:27. El artista hace visible el mandato del Señor y su deseo de ser conocido plenamente…nos recuerda que es la gracia del Señor la que abre nuestra relación con él.

El tema

Se usó en diferentes contextos en el arte medieval incluyendo los iconos bizantinos.

Donde había espacio, se mostraban a todos los apóstoles, a veces se representaba a Tomás arrodillado mientras Jesús le bendice.

El mosaico de Ravenna, también aparece en la cruz irlandesa de Muiredach, y es el tema de un gran relieve esculpido en el claustro de la abadía románica de Santo Domingo de Silos.

En la Baja Edad Media y Renacimiento se separó a Jesús de Tomás y los discípulos, representándolo solo, con la túnica abierta por un lado para mostrar la herida del costado y las otras cuatro llagas lo que llamaron «ostentatio vulnerum» y en ocasiones colocando sus propios dedos en la herida.

El tema conoció su resurgimiento con el arte de la Contrarreforma como afirmación de la doctrina católica y la creencia protestante en la doctrina solo por la Fe. En la interpretación católica, aunque Jesús alaba a aquellos que tienen fe sin pruebas, no pone reparos en mostrar a Tomás sus heridas y permite tocarlas.

La incredulidad de Santo Tomás es una obra maestra que representa la habilidad única de Caravaggio para crear imágenes que impresionan y conmueven al espectador.

Tragedia Total

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El austríaco Egon Schiele fue famoso por la intensidad perturbada, los cuerpos retorcidos y la cruda sexualidad que representó en sus pinturas, muchas de las cuales son autorretratos.

Este pintor figurativo del siglo XX creó más de 3000 obras en papel y alrededor de 300 pinturas, a menudo consideradas impactantes y ofensivas por su erotismo explícito y sin complejos.

Sus líneas angulosas, la combinación de colores, lo identifican desde temprano, abanderado del Expresionismo austríaco, que rechazaba las convenciones típicas sobre la belleza e introdujo la fealdad y la emoción exagerada en el arte.

Autorretrato de la colección del Museo Leopold

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La Viena de entonces estaba dominada por una agitación cultural, que se alejó del puritanismo burgués hacia la liberación de las obligaciones morales.

Durante ese tiempo, Sigmund Freud escribió los «Tres ensayos sobre teoría sexual» y Schiele encontró su característico estilo expresionista en esta propicia atmósfera vienesa y se convirtió en uno de los maestros más provocativos de su época por sus representaciones.

En 1912, el periódico Neue Presse escribió: «Sus aberraciones se encuentran entre las cosas más repugnantes que se han visto en Viena hasta ahora». Sus criaturas grotescas, los desnudos, tanto masculinos como femeninos, fueron todo un escándalo.

Pero, sin duda, Schiele estaba convencido de su arte: «Las obras de arte eróticas también tienen su santidad».

Schiele utilizaba una línea cortante e incisiva para expresar su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano.

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El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños de alucinada tensión.

Al igual que en otros pintores austríacos de la época, como Alfred Kubin y Oskar Kokoschka, el espacio se convierte en una suerte de vacío que representa la trágica dimensión existencial del hombre, en continuo conflicto entre la vida y la muerte y, sobre todo: la incertidumbre.

Schiele era un hábil dibujante, de trazo claro, rápido y duro, sin dudas, no concedía espacio a la apreciación decorativa o estética de sus pinturas o dibujos. Sus obras tenían en un fuerte y violento impacto en el espectador, que asume casi una posición de intérprete psicoanalítico, el deseo de rebeldía y provocación como angustia existencial. Buscaba, en las figuras angustiadas sin referencia al contexto histórico y social, los «instintos reprimidos», exploraba el exhibicionismo y el voyerismo, hacia un estado afectivo que puede llegar a lo patológico.

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En 1908 celebró su primera exposición individual en la Wiener Werkstätte, fundada en 1903 por Josef Hoffman y Koloman Moser. En ella presentó obras cuyo fundamento teórico radicaba en la idea de “obra de arte total”: el arte no se limitaba a las áreas tradicionales, sino que también a lo formal y espiritual que afectaba a la vida diaria.

Schiele estuvo influenciado fuertemente en sus comienzos por Gustav Klimt pero, hacia 1910, su pintura se convirtió en un viaje de introspección psicológica. Klimt quien, además de inspirarlo, lo ayudo sumándolo al movimiento de la Secesión de Viena, corriente que trató de regenerar y modernizar el arte bajo el lema “A cada época su arte y al arte su libertad”

Abandonó el estilo de la Academia, y giró hacia el Expresionismo. En 1909 expuso en la II Exposición Internacional ubicada en 54 salas de la Kunstschau, que constituyó la más grande cita artística que se había visto hasta entonces en Austria. Se consiguió reunir a artistas de la vanguardia europea como Ernst Barlach, Paul Gauguin, Max Klinger, Pierre Bonnard, Max Lieberman, Henri Matisse, Edvard Munch, y Vincent Van Gogh. También se encontraban el escultor belga Georges Minne que, junto al pintor Ferdinand Hodler, fueron los que más influyeron en el arte expresionista de Schiele, el cual expuso cuatro retratos en una sala donde también tenía obras Oskar Kokoschka.

El retrato Wally Neuzil de Egon Schiele

La obra destaca por su estilo artístico único y su composición innovadora. La obra en pequeño tamaño, 32 x 40 cm, fue creada en 1912 y muestra a Wally Neuzil, amante y musa del artista.

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Pertenece a la colección del Leopold Museum.El museo se fundó en 2001 gracias a la colección privada de Rudolf y Elisabeth Leopold. Entre sus paredes acoge la mayor colección del mundo de Egon Schiele,máxima figura del expresionismo austriaco.

El retrato fue propiedad privada de Lea Bondi Jaray, una galerista judía en Viena quien huyó de la persecución nazi a Londres, donde murió en 1969.

El partido nacionalsocialista se apoderó ilegalmente de la obra y, tras pasar por diferentes manos, llegó finalmente a ser posesión del museo Belvedere de Viena, que en 1954 la vendió a Rudolf Leopold.

En el año 1997, la obra en una muestra itinerante, fue prestada al Museo de Arte Moderno de Nueva York. Al año siguiente fue confiscada por el reclamo de los herederos. Tras un litigio legal que duró doce años y por medio del pago de 19 millones de dólares, el retrato de Wally, volvió desde Estados Unidos al Museo Leopold en Viena, desde donde había partido.

Wally

Nació en agosto de 1894 en Tattendorf en la baja Austria. Hija de Josef Neuzil un maestro de gramática de la actual República Checa. Aunque ser maestro daba cierto prestigio, el salario era muy malo, por lo tanto pertenecían a la clase media baja. Debido a la muerte temprana de su progenitor, en 1906 Wally se mudó con el resto de su familia a la ciudad de Viena. Alrededor de 1900 en Viena las condiciones de vida precaria eran muy duras. Trabajó en diferentes profesiones por períodos cortos de tiempo y apenas tenía posesiones personales. La capital de Austria contrastaba por un lado la pobreza con el gran esplendor de la era Gründerzei, con el auge de la construcción de avenidas y bellas residencias, la burguesía en ascenso, los grandes coleccionistas de arte…

El bellísimo retrato de Walburga «Wally» Neuzil, con su sonrisa enigmática, sus ojos azules y su traje negro de cuello blanco, ha sido considerada la Mona Liza Vienesa.

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El estilo de Schiele se caracteriza por su uso de líneas angulares y formas distorsionadas, lo que crea una sensación de tensión y angustia en la obra.

Schiele utiliza esta técnica para retratarla de una manera cruda y realista, capturando su belleza de una manera que es al mismo tiempo cruda y vulnerable. Un enfoque de primer plano para enfatizar la figura, una paleta de colores oscuros para crear una sensación de intensidad y drama a la obra., que se ha convertido en un símbolo de la lucha por la justicia en el mundo del arte, y su historia ha sido documentada en varios libros y películas.

Triste historia

Cuando Schiele tenía 21 años conoció a Walburga Neuzil, de 17 años…

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Se establecieron juntos en una pequeña ciudad llamada Krumau, de donde provenía la madre de Schiele, pero pronto fueron expulsados ​​por los vecinos que desaprobaban su estilo de vida bohemio y la supuesta práctica de Schiele de reclutar muchachas adolescentes para que posaran para él.

En 1912, Schiele y Wally se mudaron a la zona de Neulengback, donde Schiele fue arrestado por seducir y secuestrar a una muchacha. Más de un centenar de sus dibujos fueron considerados inapropiados y confiscados de su estudio, lo que condujo a que se sumara a su lista de cargos la exhibición de materiales pornográficos a menores. Fue sentenciado a prisión y el juez hizo una demostración de la quema de uno de sus dibujos frente a él.

Durante su encarcelamiento, Wally se mantuvo fiel a su amado, le entregaba comida, material artístico entre los barrotes…En las propias palabras de Schiele: «Entre mis conocidos más cercanos, nadie hizo nada, excepto Wally, a quien conocí recientemente y cuya conducta fue tan noble que me cautivó».

Idea de matrimonio

Pero el artista conoció a Edith y a Adele Harms, dos hermanas de clase burguesa, las invitó a paseos incluso se hizo acompañar por Wally sin que ella sospechara nada de la idea que rondaba por la mente del pintor. La idea de matrimonio fue expuesta en una carta fechada en febrero de 1915 dirigida a Roessler: «Tengo pensado casarme más ventajoso, pero no con Wall».

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Tras cortejar a ambas hermanas, se casó con Edith el 17 de junio de 1915. Su casamiento se produjo durante la Primera Guerra Mundial y Egon Schiele, por pertenecer a lo que se consideraba la élite intelectual, no fue enviado al frente, pero sí a Praga en servicios administrativos. Un año después fue trasladado a Viena con el privilegio de poder usar su taller.

Según explica RoesslerSchiele propuso a Wally, a través de una carta, que se comprometía a «emprender todos los veranos un viaje de recreo con ella». Wally rechazó la propuesta, se incorporó a la Cruz Roja cuando empezó la Primera Guerra Mundial. Su muerte se produjo en 1917, sin que hubiera habido ningún otro encuentro con Schiele.

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En el año de su casamiento de 1915, Schiele realizó la pintura «La muchacha y la muerte», en la que representó un abrazo desesperado entre una pareja, sobre un paño arrugado blanquecino, que representa un lecho mortuorio, las figuras están como flotando sobre la superficie. Se reconoce al propio pintor en la figura masculina y a Wally en la femenina. Fue la despedida de Schiele a la pérdida de Wally, causada por su matrimonio

En 1918 participó con éxito en la cuadragésimo novena exposición de la Secesión de Viena, de la que diseñó el cartel de la exposición y donde vendió la mayoría de los cincuenta cuadros presentados. Además ese mismo año colaboró en otras exposiciones en Zúrich, Praga y Dresde.

La última pintura importante realizada por Schiele fue una titulada «La familia -1918″. De un realismo bastante inusual en el pintor… documenta su situación biográfica, su esposa Edith esperando un hijo…

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Presenta un grupo de desnudos, el hombre, en el que es fácil reconocer al propio autor, se encuentra sentado sobre un sofá, delante de él, sentada en el suelo, aparece la figura de una mujer con un niño pequeño entre sus piernas envuelto en una manta. Destacan los cuerpos iluminados de los personajes adultos y la cara del niño sobre el color oscuro del fondo, los tonos cromáticos sirven en esta pintura para resaltar los volúmenes corporales, no son líneas gruesas rellenas de color, como sus anteriores pinturas. Muestra un lenguaje menos agresivo que el utilizado anteriormente porel autor. A pesar de la temática, el cuadro demuestra una melancolía sin expresividad drástica, las miradas del hombre y de la mujer están perdidas en sus pensamientos, con ello, el autor rompe la composición del grupo unido en una forma casi circular.

En otoño de 1918 la pandemia de gripe de 1918  causó más de 20 millones de muertos en Europa, asoló Viena…

Edith, embarazada de seis meses, murió el 28 de octubre. Tres días después, Egon Schiele falleció de la misma enfermedad a los 28 años. Durante el breve lapso que separó sus muertes, Schiele realizó unos bocetos de Edith, que se consideran sus últimas obras.

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Pascua

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Es la fiesta por excelencia de la Iglesia que celebra la Resurrección de Jesús, es claramente, la celebración más antigua del cristiano.

Es la fiesta central del cristianismo y motivo de alegría, luz y esperanza para sus fieles

Desde los primeros tiempos, esta fiesta se ha centrado en el acto redentor de Dios en la Muerte y Resurrección de Cristo. Con la Pascua Dios da a los cristianos la esperanza por la resurrección y una nueva forma de vida basada en el AMOR.

Con la Pascua, finaliza la Semana Santa y se inicia un periodo conocido como Tiempo Pascual, que dura cincuenta días, finalizando el Domingo de Pentecostés.

Según las Sagradas Escrituras, con la Pascua, Dios da a los cristianos la esperanza por la resurrección y por una nueva forma de vida. 1 Corintios 5,7 : «Despójense de la vieja levadura, para ser una nueva masa, ya que ustedes mismos son como el pan sin levadura. Porque Cristo, nuestra Pascua, ha sido inmolado».
Su Resurrección fue la confirmación de la naturaleza divina de Jesús.

La Pascua está vinculada al Pésaj, la salida de Egipto en el Antiguo Testamento. De acuerdo con el Nuevo Testamento, Jesús dio a la Cena pascual un nuevo significado, mientras se preparaba a sí mismo y a sus discípulos para enfrentar su muerte.

Los cristianos, separaron formalmente la celebración de la Pascua judía de la cristiana, recién en el Primer Concilio de Nicea año 325 d. de C., definieron así los elementos propios de la celebración que festeja la Resurrección de Jesucristo.

En el arte paleocristiano

Arte fuertemente simbólico, a decir verdad este período evitaba el tema quizás por respeto a los escasos detalles que brindaban los Evangelios… poco a poco, el triunfo de Jesús sobre la muerte pasó a ser uno de sus principales motivos.

También en el periodo de las persecuciones, la Resurrección era tema trascendental para una comunidad que venera a sus mártires, se aludía a través de los pasajes bíblicos que se consideraban alegóricos de ella, como el de Daniel en el foso de los leones. Daniel 6.1-27.

Después de varios siglos, el regreso de Cristo de entre los muertos se convirtió en una representación popular y la imaginación comenzó a compensar lo que la descripción bíblica carecía.

Con la cristianización del Imperio romano, el Arte cristiano pasó a desarrollarse pública y monumentalmente, el tema de la Resurrección se expresó en formas derivadas de la civilización romana tanto en el crismón, evolución del lábaro imperial, transformado en cruz por el In hoc signo vinces del sueño que Constantino tuvo antes de la batalla del puente Milvio, en sus monedas aparece ese lábaro-crismón venciendo a una serpiente.

Un sarcófago procedente de la catacumba de Domitila (ca. 350) es uno de los primeros ejemplos del uso del crismón como crux invicta «cruz invicta» o cruz triunfante, en contextos funerarios, como símbolo de la resurrección y triunfo sobre la muerte rodeada por una corona de laurel, uno de los elementos del triunfo romano. Posteriormente, en la Edad Media, se generalizó el uso de la cruz funeraria…

otros simbolos de los primeros cristianos

Buen Pastorhombre vestido de pastor que lleva una oveja sobre los hombros y alude a Cristo salvador y al alma salvada por Él

Orante: representa generalmente a una mujer, de pie, con los brazos abiertos según el antiguo gesto de oración, simboliza la certidumbre del alma de poder vivir en la paz de Dios.

Pez: las letras de la palabra en griego (ICHTUS) eran leídas por la primitiva comunidad cristiana como las iniciales de la frase, en griego, «Jesús Hijo de Dios Salvador»- acróstico

Paloma con un ramo de olivo en el pico o entre las patas: Símbolo de paz y del alma salvada que descansa en la paz divina.
 Ancla: Interpretado como símbolo escondido de la cruz, representaba sobre todo la salvación del cristiano en Dios y la llegada de su alma al puerto de la vida eterna.

Además de estos símbolos, utilizaban representaciones de episodios tomados del Antiguo y del Nuevo Testamento:

Noé en el arca- Daniel en medio de los leones-Moisés que hace brotar el agua de la roca- Jonás, arrojado al mar y tragado por una ballena.

La Natividad, los Reyes Magos y Milagros de Cristo, como la resurrección de Lázaro y la multiplicación de los panes

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El crismón está formado por las letras griegas Χ (ji) y Ρ (rho), que son las dos primeras del nombre de Cristo en griego koiné: Χριστός (Khristós, “el ungido”).

La cruz deja de ser un simple instrumento de tortura para convertirse en un símbolo de triunfo sobre la muerte, que recuerda al cristiano la resurrección de Cristo y la promesa de su segunda venida.

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Evangelio de la Rabbula-es un evangeliario iluminado del sigloVI en siríaco de la biblioteca Medicea

La crux gemmata o «cruz de gemas», reproduce la cruz monumental de oro y piedras preciosas que Constantino mandó levantar en el monte Calvario de Jerusalén, y que se reproduce en el mosaico del ábside de la basílica de Santa Pudenciana de Roma.

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La Edad Media codificó la interpretación de la Escritura en cuatro tipos: literal, moral, alegórico y anagógico. Se había dado prioridad a la literal, inspirados por santo Tomás de Aquino.

En el Románico..

Los iconos bizantinos

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Los capiteles historiados en los claustros y catedrales…

En la pintura

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El ábside de Sant Climent de Taüll fresco románico 

1. Cristo en Majestad.
2. Mandorla.
3. Alfa y omega.
4. Libro.
5. San Mateo.
6. San Juan.
7. San Marcos.
8. San Lucas.
9. Serafines.
10. María.
11.  San Juan Evangelista.

En el Gótico…

Desde sorprendentes mosaicos a escenas solemnes pintadas al fresco ejecutas por Giotto o Piero della Francesca, el Cristo soberano saliendo de su tumba entre los soldados dormidos parecía reconciliar los diferentes relatos evangélicos.

Ningún humano vio a Jesús emerger de su tumba, pero gracias al arte, el privilegiado espectador podía verlo.

El tema de la Resurrección incluye la presencia de soldados dormidos en su mayoría, con gran éxito, ocasionalmente despiertos y asombrados, mezclando anacrónicamente su actitud en el momento de la resurrección con la de la aparición del ángel, tal como describe el evangelista Mateo, en torno a la tumba abierta de Cristo de la que surge su figura semidesnuda o envuelta en su sudario elevándose rodada de un halo luminoso y portando un estandarte de la cruz…

Fresco de Andrea da Firenze 1366, quizás el Cristo «flotante» más antiguo -Santa Maria Novella- Florencia.

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Andrea di Bartolo, ca.1390 Maestro de la Observancia, ca. 1455.

El Renacimiento

Con su amor por la acción, la emoción, empezó a tomarse más libertades con el tema. Caballos encabritados y soldados a la fuga debilitando si se quiere, el silencioso misterio de la tumba vacía encontrada una mañana de Pascua por unas mujeres de luto.

Fra Angelico, 1440-1441. Piero della Francesca, 1463-1465.

Litografía de Durero

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Renacimiento nórdico

Una de las tablas del Altar de Isenheim, Grünewald, 1512-1516 y Lucas Cranach el Joven, 1558.

Manierismo y Barroco

Generalmente la atmósfera misteriosa está impregnada de una cálida luz dorada, como en el amanecer de una nueva era…

Frente a la iconoclastia protestante, el Concilio de Trento reafirmó el valor de las imágenes artísticas como vehículo pedagógico para transmitir las verdades de la fe.

Esto se alineaba con la intención de “encauzar la imaginación” para ponerla al servicio de Dios como había planteado San Ignacio de Loyola en sus Ejercicios Espirituales. 

El Greco – Rubens -y Murillo

 La Resurrección por Rembrandt

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La Contrarreforma giró la atención hacia los otros eventos relacionados con la Resurrección: el encuentro de María Magdalena con Cristo resucitado  el famoso Noli me tangere las palabras que Jesucristo dirige a María Magdalena después de su resurrección. En el griego original la expresión es μὴ μoυ ἅπτoυ –mè mu haptu, que sugiere una acción que continúa en el tiempo por lo que una posible traducción es también: «no  «no me retengas».

Otra es la cena con sus discípulos en Emaús. Estas dos escenas bíblicas permitieron a los artistas diversificar las composiciones y explorar el tema desde nuevos ángulos y con mayor libertad interpretativa. 

 El espectacular Caravaggio!!

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La Resurrección de Cristo, de Noël Coypel 1700 y  La mañana de la Resurrección, de Edward Burne-Jones, 1882.

Noli me tangere – James Tissot 1836

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Escultura

Miguel Ángel realizó un Cristo Resucitado en mármol abrazado a su cruz en 1521 de 2,05 de altura, se encuentra en el lado izquierdo del altar mayor de la iglesia de Santa Maria sopra Minerva de Roma.

En lo pequeño, una talla realizada por el Greco de 47 cm, en madera policromada y que concluyó en 1598, uno de los escasos ejemplos del artista en esta disciplina artística.. La obra junto con un tabernáculo, del que se conserva una parte, era para ser colocado en el altar mayor de la iglesia del Hospital Tavera. Actualmente se conserva en este mismo Hospital aunque trasladado a la sacristía rodeado de pinturas de su célebre autor.

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El Pintor de San Rocco

Tintoretto y su espectacular Crucifixión

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El filósofo francés Jean-Paul Sartre, rebautizó a Tintoretto como «le sequestré de Venise», escribió, a propósito de esta Crucifixión de la Scuola Grande di San Rocco «Este desgarramiento amarillo del cielo encima del Gólgota no ha sido elegido por Tintoretto para expresar la angustia, ni tampoco para provocarla, es al mismo tiempo angustia y cielo amarillo. No es cielo de angustia ni cielo angustiado; es una angustia hecha cosa, una angustia que se ha convertido en desgarramiento amarillo del cielo y que, por ello está sumergida y empastada por las cualidades propias de las cosas»

Realizado en óleo sobre lienzo, es un cuadro de enormes dimensiones, 5,18 metros de alto y alcanza los 12,24 metros de ancho. Fue pintado en 1565. Se encuentra en el lugar para el cual fue diseñado: la Scuola Grande di San Rocco en Venecia.

Crucifixión

En la pared del fondo, de la sala del’Albergo se puede admirar uno de los logros más destacados del pintor, la inmensa Crucifixión, ¡una pintura de casi 60 metros cuadrados! Una obra de dimensiones épicas y libertad creativa.

Representa el momento en el que la Cruz con Jesús se iza con gran esfuerzo hasta la posición vertical: Cristo aparece solo, aislado en un círculo de luz, lejos del resto de los personajes. Las otras cruces, todavía en el piso, con personajes que trabajan y comandan la ejecución.

Tintoretto utiliza una perspectiva única y audaz, colocando a Jesús en un ángulo diagonal que crea una sensación de movimiento y profundidad en la escena. Los personajes que rodean la cruz están dispuestos en diferentes planos, lo que agrega una sensación de dinamismo y acción a la obra.

En cuanto al color y al claroscuro empleado que son propios del Tintorretto, de ahí su apodo, utiliza una paleta rica y vibrante. Los tonos oscuros y terrosos predominan en la escena, pero también hay toques de colores intensos, como el rojo y el amarillo, que resaltan y añaden vitalidad a la obra. Estos colores contribuyen a crear una atmósfera emotiva y poderosa.

Tintoretto incluyó retratos de personas reales en la multitud que rodea la cruz. Serían miembros prominentes de la Scuola, incluso amigos y familiares del artista. Esta inclusión personalizada añade un nivel de intimidad y conexión emocional a la obra.

El pintor, logra una obra maestra que destaca por su estilo artístico de composición dinámica, su uso impresionante del color que sigue siendo una de las más impactantes y conmovedoras de la historia del arte a lo largo de los siglos, admirada por su impacto visual y su representación magistral.

Detalles

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El Cristo crucificado, esta bajo un cielo plomizo que augura tormenta…

Alos pies de la cruz, un abigarrado grupo de dolientes presidido por las santas mujeres, como si de la base de la cruz se tratara, destacando entre ellos el perfil de san Juan y de la Magdalena.

En un rincón… los soldados se echan a suerte las ropas de Cristo.

De la figura de Cristo parecen partir líneas radiales se organiza la composición, distribuyéndose en ellas las figuras, creando una estructura muy organizada a pesar del aparente desorden reinante. Dejará espacios vacíos, desolados, escaleras, caballos, cuerdas y escorzos de las figuras…todo encaja armónicamente aunque parezca mentira.

Estupenda composición!  una sinfonía de colores punteada por zonas cálidas, como si fueran notas agudas de instrumentos de metal que se repite dentro de cada grupo, utilizando la expresividad corporal y gestual como detonante de lo emocional…

La Scuola Grande di San Rocco

Como todas las antiguas scuole venecianas, San Rocco atesora una increíble cantidad de obras de arte, entre las que sobresale la de uno de los mayores pintores venecianos de todos los tiempos:Tintoretto.

En tiempos de la Serenissima, las antiguas cofradías venecianas eran instituciones fundamentales para el desarrollo y la paz social de la república. Entre éstas, destacaban las scuole grandi, que remontan sus orígenes al siglo XIII.

En un estado dominado por una oligarquía hereditaria, ayudaban a limar las diferencias entre las clases, favoreciendo la estabilidad de la sociedad. Eran una mezcla de club social e institución benéfica, financiada principalmente por las ricas familias patricias.

 Fue fundada en 1478 no está entre las más antiguas. El motivo era la veneración a San Roque santo que se invocaba ante la epidemias de «peste».

La hermandad prosperó, sobre todo después de conseguir traer desde Francia, las reliquias de San Roque. En 1516 se emprendió la construcción de un nuevo hogar para la cofradía.

En 1564 una vez terminada la obra, se convocó un concurso para la decoración del techo de la Sala dell’Albergo, el gran salón donde se reunía el consejo de la hermandad.

Scuola Grande di San Rocco (Venice)
Scuola Grande di San Rocco -Venice.

 Para la decoración de sus salas se invitó a los mejores pintores de Venecia: Giuseppe Salviati, Federico Zuccari, Paolo Veronese y Jacopo Comin conocido como Tintoretto.

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Tintoretto-Venecia -1518-1594

Veneciano de origen, Tintoretto, cuyo nombre era Jacopo Comin, fue uno de los grandes pintores de la escuela veneciana y representante del estilo manierista. En su juventud también recibió el apodo de Jacopo Robusti, pues su padre defendió las puertas de Padua frente a las tropas imperiales de una manera bastante vigorosa. Por lo tanto, era conocedor de las instituciones locales.

En lugar de un boceto, presentó al jurado una pintura finalizada: la» Glorificación de San Roque».  La entregó antes del plazo establecido y se las arregló para que fuera instalada en el rosetón del techo de la sala, donde aún permanece.

El resto de los concursantes protestó fuertemente ante esta irregularidad…y Tintoretto respondió regalando la pintura a la scuola!… Obviamente sabiendo que en sus estatutos prohibían rechazar cualquier presente.

Como era de esperar, el elegido fue Tintoretto. Quizás y no está para nada claro, pudo influir Faustina Episcopi, su esposa, hija del Guardián Grande de la scuola.

Pese a sus métodos poco ortodoxos, Tintoretto se entregó al trabajo en cuerpo y alma, se hizo miembro de la cofradía, por lo que no tuvo dificultad alguna para conseguir que le encomendaran el resto de las pinturas de las paredes.

Así recibe el encargo de continuar con la decoración  tras finalizar la Sala dell’Albergo, en 1575.

Dándose cuenta que el encargo es una oportunidad única en la vida para decorar uno de los espacios mas destacados de Venecia, llega a un acuerdo con la scuola.

Tintoretto se compromete a completar toda la decoración cobrando únicamente 100 ducados anuales. !Una Miseria! Un precio ridículo para un artista de su categoría! más aún, poniendo los materiales de su cuenta!

Solo un puñado de obras en la gran escalera, no pertenecen al maestro veneciano.

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Pasaporte a la inmortalidad artística.

Era un trato beneficioso para ambas partes. La scuola se garantizaba los servicios de un pintor de primera línea, a cambio.

Además de las salas Capitolare y Terrena, también pintó seis lienzos para la cercana iglesia de San Roque, regentada por la scuola.

En total, Tintoretto pasó veinte años trabajando para la cofradía, pintando 65 cuadros, que no son pocos.

El artista, para entonces de gran madurez creativa, realizó casi toda la obra en solitario… sin apenas requerir el auxilio de ayudantes o aprendices. 

El resultado !!BRILLANTE!!!.

Todo permanece en su emplazamiento original y guardando relación con las obras contiguas en el espacio circundante.

En la Sala Capitolare, las pinturas del techo muestran escenas del Antiguo Testamento, mientras que aquellas de las paredes representan episodios de la vida de Cristo.

En la Sala dell’Albergo, las paredes están decoradas con escenas de la Pasión de Cristo, algo poco común en las scuole grandi, que solían dedicar estos espacios a sus santos patronos.

 Detalles

El juicio de Pilatos, el Ecce Homo y La subida al Calvario. Uno al lado del otro, los cuadros forman casi un relato continuo, y se encuentran entre las imágenes más famosas de la pintura de finales del Renacimiento.

El Cristo ante Pilatos, en particular, impacta de manera inolvidable. Como acertadamente escribió un crítico del siglo XVII, la figura de Cristo, aunque envuelta en un manto blanco, parece desnuda ante la multitud enfurecida.

También el Ecce Homo y La subida al Calvario. Uno al lado del otro, los cuadros forman casi un relato continuo, y se encuentran entre las imágenes más famosas de la pintura de finales del Renacimiento.

El pintor agrupa las figuras en grupos compactos que  llegará a ser manera de habitual en todas sus  obras.

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En san Rocco, Tintoretto desplegó su creatividad, un ciclo de preciosas pinturas, a las que dedicó su vida con una amorosa y personal atención.

Cierto es que por entonces se encontraba en la madurez de su carrera. Pero siempre de gran personalidad…Discípulo de Tiziano, ya de joven se distanció de su afamado maestro y se alineó con el estilo manierista tosco-romano, con influencia de Miguel Ángel y Jacopo Sansovino.

Su estilo se caracterizó por el dramatismo y la teatralidad de la narración, el colorido potente, los efectos espectaculares, los contrastes de iluminación, la gestualidad de las figuras, la intensidad emotiva y los fuertes escorzos de perspectiva, con una ejecución rápida, tensa, discontinua y perfecta.